Taller de música

Este es un libro pensado para facilitar y promover el manejo de la música y sus elementos (el sonido, el ritmo, la melodía, la armonía) con el fin de satisfacer el bienestar emocional y la salud física de la persona. Dirigido a músicos, profesores, pedagogos musicales, terapeutas y melómanos que vean en la música un vehículo para estimular la capacidad intuitiva y la creatividad, este manual muestra de manera muy práctica el proceso de enriquecimiento sensorial y cognitivo que predisponen al cambio. Los ejercicios prácticos que incluye el libro se pueden utilizar como recursos para escuchar la música de un modo activo y consciente. No en vano, la eficacia de la audición depende de cómo asimilamos y procesamos lo que oímos. -¿Cómo utilizamos la música? - Los efectos terapéuticos de la música. - Cómo afecta la música al cerebro. - ¿Cómo suenan los instrumentos? - La energía espiritual de la música. - Músicas para curar y prevenir enfermedades. Los sonidos condicionan la mente humana. Para aprovechar al máximo el poder curativo de la música es necesario aprender a escuchar, por lo que este libro se presenta como una oportunidad magnífica para dominar las técnicas de escucha activa y de la audición constante, y así conocer la diversidad que contienen los sonidos. Este libro ofrece un viaje por el mundo del sonido y del ritmo. A lo largo de sus páginas irán apareciendo un sinfín de posibilidades inexploradas que puede otorgar el poder de la música, acompañadas de diversos ejemplos para mejorar el nivel de relajación o aumentar la concentración, y otros para combatir el estrés o aliviar el dolor. Gracias a los ejercicios planteados, el lector podrá desarrollar su musicalidad y alcanzar el equilibrio en la vida cotidiana, agudizando los sentidos, y mejorando su salud física y mental.

Este libro analiza las similitudes y diferencias que existen entre dos prácticas musicales, la interpretación y la docencia, aparentemente contrapuestas pero íntimamente relacionadas, y pretende servir de guía a los profesores en su labor cotidiana. Es seguro que un buen intérprete posee todas las herramientas que le permiten expresarse con libertad mediante su instrumento, pero quizá no sea capaz de trasmitir plenamente ese conocimiento a sus alumnos. Por otro lado, un buen profesor puede que no esté sacando el mejor partido a lo que sus alumnos le están aportando para enriquecer su propio bagaje como instrumentista. A fin de facilitar el trabajo de quienes se inician en la enseñanza de su instrumento se estudian los siguientes temas: • La interpretación y la enseñanza y la necesaria adaptación. • ¿Sabemos cómo tocamos realmente? • ¿Cómo podemos transmitir nuestras habilidades de forma eficaz? • ¿Cómo organizar el día a día en clase? • ¿Qué hacer en las primeras clases? • ¿Cómo preparar la parte práctica docente de una prueba para un puesto de trabajo? • La relación del profesor con su instrumento en las escuelas de música y conservatorios en la actualidad.

La improvisación musical es muy necesaria para crecer musicalmente y expresar la propia esencia personal. Las bases y fundamentos del arte de la improvisación pueden servir para trabajar en gran variedad de estilos musicales. Ya sean profesores de música, profesionales o aficionados, pueden hallar infinitas satisfacciones en el infinito mundo de la creación en tiempo real. Este libro condensa una gran cantidad de juegos, ejercicios, sugerencias de actividades e ideas para desarrollar y mejorar tu creatividad musical con un teclado o piano. • Habilidades que se desarrollan con la práctica musical improvisada. • ¿En qué debería consistir una sesión creativa de trabajo? • Cómo crear distintas melodías sobre un dibujo. • Conocer los patrones rítmicos. • Ideas para la creación de canciones. Un libro que se convertirá en imprescindible tanto en el ámbito didáctico (profesores, estudiantes) como para músicos de cualquier situación y habilidad. La improvisación musical es un potente motor para el aprendizaje. Desarrolla aptitudes como la creatividad, la capacidad musical o la personalidad del creador. Pero, ¿se pueden plasmar las ideas musicales en un piano de manera inmediata e instantánea? En este libro se hallan infinidad de sugerencias, ejercicios, actividades y juegos que permitirán al lector acceder al, en apariencia, complejo mundo de la música, aunque en realidad, según las últimas investigaciones en neuroeducación, es en realidad accesible a la mayoría de la población siempre que los enfoques didácticos sean los adecuados. El lector iniciará su andadura en esta didáctica guía abordando el marco conceptual de la improvisación musical, sus beneficios y cómo se desarrolla, para adentrarse posteriormente en el descubrimiento del instrumento a partir de juegos y otras actividades complementarias.

"Una guía práctica para todos los que aspiren a crear o formar parte de un grupo de rock" Si cuando escuchas rock en cualquiera de sus variantes se te eriza la piel, tienes ganas de cantar en un espacio que vaya más allá de tu ducha o te sientes impotente cuando asistes a un concierto porque eres tú el que debería estar ahí arriba, tal vez ha llegado la hora de plantearse dar un paso más. Crear un grupo de este estilo no es difícil, tal vez lo más complicado sea conseguir el compromiso y asegurar el esfuerzo continuo de todos los miembros del grupo. En el momento en el que consigáis juntar a unas cuantas personas y todas estéis dispuestas a darlo todo por vuestra meta, empezará lo bueno. Con este manual aprenderás: • Cómo buscar a los miembros de la banda. • Cómo afrontar el primer ensayo. • Cómo construir una relación sana con tus compañeros. • Cómo redactar un porfolio musical efectivo. • Qué derechos y deberes tienes como músico a la hora de facturar por un concierto. • Cómo dar el salto a la escena internacional.

El entrenamiento auditivo nos permite reconocer y distinguir un sonido, un patrón rítmico, un timbre sonoro. Pero también nos facilita entender y por tanto disfrutar más una determinada música. El libro que el lector tiene entre las manos no es una mera exposición de audiciones sino que contiene tablas de audiciones y ejercicios que le confieren un carácter muy práctico. Todo ello pensado para que el lector pueda observar, pensar, relacionar y, sobre todo, ejercitar su oído musical. Cómo reconocer diferentes texturas musicales. Distinguir entre monodia, homofonía, contrapunto, canon y melodía acompañada. Cómo suena la música de los diferentes periodos y estilos. ¿Cómo puedo saber si lo que estoy escuchando es música barroca? "Una obra muy recomendable para melómanos, aficionados a la música en general y también a estudiantes, pedagogos, intérpretes, músicos amateurs o profesionales." Aprender a distinguir auditivamente una pieza del barroco de una del clasicismo, el sonido de un clarinete del de un oboe o conocer la simbología musical que encierra una partitura parecen cuestiones difíciles de comprender. Pues no. Joan M. Martí nos propone, de manera muy didáctica y amena, un texto que ayude a estudiantes, profesores y aficionados a la música en general a desarrollar su oído musical a partir de una serie de ejemplos propuestos. Hay personas que tienen un oído musical más desarrollado que otras, pero eso no significa que no se pueda trabajar para mejorarlo. La práctica de la escucha es un elemento clave para disfrutar con conocimiento de causa y valorar una determinada música bajo unos sólidos criterios personales. La escucha consciente de una pieza nos permite reconocer cómo está construida una canción, qué partes la componen, qué instrumentos intervienen.

Este libro es un arma educativa de primer orden destinada a padres, profesores y escuelas de música que muestra cómo la música puede desarrollar las diferentes capacidades o inteligencias de los niños, presentando una serie de ideas y ejercicios muy prácticos para llevar a cabo en el aula o en casa. Cuando Howard Gardner esbozó su célebre Teoría de las Inteligencias múltiples incluyó a la inteligencia musical junto a la matemática, la lingüística o la emocional. La inteligencia musical podemos definirla como la habilidad para transformar, apreciar y expresar las formas musicales, así como una acusada sensibilidad por discriminar ritmo, tono y timbre. Cuando un bebé balbucea, está desarrollando patrones musicales, pero es a partir de los cinco años de edad que se abre un período crítico de sensibilidad al sonido y al tono. A esa edad, un rico entorno musical propiciado por padres y educadores puede favorecer la base de una habilidad musical ilimitada. La música puede ser una de las herramientas más importantes para desarrollar habilidades referidas a la percepción o composición musical pero también ofrece infinidad de recursos para mejorar el lenguaje, los conceptos matemáticos, la expresividad o las relaciones interpersonales. • Diferentes maneras para trabajar las audiciones en el aula. • Cómo explicar conceptos matemáticos a partir de la música. • Cómo trabajar el lenguaje con la música. • El desarrollo de las capacidades motrices y corporales. La música estimula las capacidades de ambos hemisferios en el cerebro, potenciando globalmente las habilidades de los niños a través del aprendizaje musical. Es, por tanto, una herramienta transversal para el aprendizaje de todo tipo de materias. Está demostrado que hay una relación directa entre una temprana educación musical y el crecimiento cognitivo de materias como las matemáticas, los idiomas o las ciencias naturales.

¿Cuál es la diferencia entre un buen concierto y una actuación rutinaria? La elección de un repertorio adecuado es importante, por supuesto, pero no lo es menos saber traspasar la información de una partitura al espectador. El libro de Rafael García nos habla sobre el estudio efectivo y sobre la manera adecuada de preparar una actuación musical. Y lo hace no únicamente desde el aspecto técnico sino que también lo realiza desde la perspectiva de la preparación mental, cuestiones ambas fundamentales para alcanzar un gran rendimiento sobre el escenario. Creencias sanas y emociones positivas. Cómo hacer fluir la música. Combatir la ansiedad escénica. Pensar mejor para actuar mejor. Interpretar con movimientos libres. Un concierto es un acto social en el que los músicos tratan de comunicarse con el público. En ocasiones esta comunicación puede verse mermada por una tensión excesiva, por un pensamiento amenazante, por un temblor incontrolado... Estos factores pueden condicionar la calidad del mensaje musical que el músico quiere transmitir. Muchas veces la formalidad de los conciertos en los diferentes estilos de música no invitan al optimismo. Pero no por ello el músico debe ver cada actuación como una amenaza sino como un reto positivo en la búsqueda de la excelencia y la comunicación. Este libro trata de dar las pautas sobre cómo conseguir mejorar la concentración en las sesiones de estudio y plantea líneas de superación ante las dificultades que puedan aparecer, fijando objetivos adecuados y realistas.

Este libro aborda el estudio de los instrumentos de viento madera—como la flauta, oboe, clarinete, fagot, saxofón, etc.—, desde la perspectiva de la efectividad, para que cada instrumentista sea capaz de aprovechar al máximo todo el tiempo que invierte en el estudio y pueda alcanzar un nivel técnico idóneo para expresarse con facilidad mediante su instrumento. La intención principal es suscitar la reflexión acerca de qué es lo que se desea con el instrumento, cuáles son las aspiraciones de cada uno y cuál puede ser la forma más efectiva de alcanzarlas. • Cómo mantener la motivación para tocar un instrumento. • ¿Cómo funciona un instrumento de viento? • ¿De qué manera se controla el sonido? • Diferentes tipos de articulación. • La pulsación y el movimiento de los dedos. • Ejercicios de agilidad y regularidad. • El estudio de la lectura a primera vista. ¿Cuál es la mejor manera de aprovechar el tiempo dedicado al estudio de un instrumento por parte de un profesional o de un estudiante? ¿Basta con la acumulación de horas, o quizá existe una forma más efectiva de estudiar? ¿Un mismo tipo de trabajo sirve para todas las personas? Este libro intenta dar respuesta a éstas y otras preguntas, pero sobre todo pretende suscitar la reflexión de quien está estudiando un instrumento de viento madera (flauta, clarinete, saxofón, oboe, fagot, etc.) para que sea capaz de elaborar, con la ayuda de sus profesores o de sus colegas, su propia estrategia de trabajo, aquella que le permitirá ir alcanzando sus metas de la forma más eficaz.

Mejorar en cualquier aspecto supone un reto. Significa pasar de un nivel de funcionamiento a otro mejor, de un nivel determinado de rendimiento a uno superior. Y conseguirlo supone estar dispuesto a exigirte un poco más para alcanzar el incremento que deseas, puesto que mejorar significa sobrepasar los límites actuales. Tal es el caso del aprendizaje musical. La música llega de tal forma al corazón y al intelecto, que de forma inexplicable produce espirales de magia y admiración. Acercarnos un poco más a suscitar en los demás tales experiencias mediante el canto o un instrumento musical, supone un verdadero privilegio. Este libro te aporta información útil y trata de ayudarte en la motivación personal para descubrir nuevos caminos para conseguirlo. * Un compromiso activo con el aprendizaje. * ¿Cómo manejar un infortunio que merma tu disfrute musical? * ¿Qué cualidades psicológicas y físicas esenciales concurren en una buena ejecución? * ¿Qué se necesita para desarrollar un criterio musical propio? * Cómo fortalecer tu concentración y entrenar tu oído Mejorar en la música no se consigue solo a base de comparación con estándares imposibles de alcanzar. El aprendizaje de calidad implica tener presente cómo funciona realmente nuestro cerebro, nuestras emociones y nuestra conducta. El verdadero reto consiste en articular estos componentes sabiamente. Conseguir, en definitiva, que el propio estudiante de canto o de instrumento musical, sepa generar en sí mismo las sinergias interiores que le orienten con ilusión hacia un camino musical de mejora continua. En la primera parte de este libro, el autor repasa un tema fundamental que recorre transversalmente toda la obra: la autorregulación del aprendizaje musical. ¿Qué implica tomar tus propias decisiones musicales? ¿Qué se necesita para desarrollar un criterio musical propio? ¿Cómo aprovechar tus experiencias para incrementar el rendimiento y la satisfacción? A través de diversos contenidos y experiencias de grandes profesionales, los primeros capítulos nos introducen en las ideas clave de lo que supone aprender a aprender. La segunda parte del libro representa una invitación al autoconocimiento, la reflexión y la práctica. Al final de cada capítulo de esta segunda parte se presentan experiencias prácticas relacionadas con la actividad musical, y que sin duda nos situarán en un plano de ventaja al abrir la tapa del piano o comencemos a vocalizar. Los siguientes capítulos inciden positivamente en la propia realización de la acción musical, abordando cuestiones como la concentración, el control sobre la ejecución o la revisión de la base técnica. En el último capítulo se muestra la importancia de revisar los resultados de las experiencias musicales y reflexionar sobre diversos asuntos relacionados con ellos.

Cantar en coro es una de las actividades más placenteras y enriquecedoras que existen. Todo el mundo puede cantar porque está en nuestra naturaleza, sin embargo, la formación de un cantante no se da de modo espontáneo, sino que debe entenderse como la adquisición de una habilidad psicomotriz. El esquema corporal vocal lo constituyen experiencias significativas, organizadas y sistematizadas tanto mental como corporalmente y para ello se diseñan los ejercicios vocales y las propuestas metodológicas con el fin de que se apliquen a un grupo de cantantes. • Las etapas vocales: Primera y segunda infancia, adolescencia y adultos. • La educación vocal y musical en los coros. • Elección del repertorio. • La preparación más adecuada para un concierto. • El mundo coral en España e Hispanoamérica.

¿Cuáles son los primeros pasos de un creador musical digital? ¿Cómo pueden gestionarse los derechos de un músico en la Red? ¿Qué pasos hay que dar para llegar al gran público? ¿Y cuáles son las nociones básicas de marketing digital que debes conocer? Con este libro aprenderás los trucos más ingeniosos para que, desde casa, tu creación llegue lo más lejos posible dentro y fuera del mundo digital. Te convertirás en tu propio productor y aprenderás a gestionar tu música desde cero, además de conocer todos los derechos que tienes como músico. ¡Comienza tu incursión musical en el mundo digital! • ¿Cómo puedo empezar a escribir una canción? • ¿Cuál es tu función como productor musical? • ¿Cómo puedo trabajar el aspecto visual de la música para llegar a más público? • ¿Dónde puedo registrar mis canciones a la hora de subirlas a Internet? • ¿A través de qué plataformas puedo colaborar con otros músicos?

Este libro es una herramienta para despertar inquietudes, para conocer mejor el propio cuerpo y ver cómo intérpretes de diferentes actividades artísticas pueden mejorar en su tarea diaria. Es también la llave con la que artistas de cualquier disciplina podrán conseguir un cuerpo más libre, aprendiendo a respirar correctamente, con el fin de que tanto estos profesionales como los espectadores que acuden a ver su trabajo puedan disfrutar íntegramente de cualquier espectáculo. - ¿Por qué llegan las lesiones? - Una práctica individual para trabajar un estado de ánimo inestable. - Eliminar los factores de riesgo que pueden causar una lesión. - Cómo incorporar la parte emocional para que esté en consonancia con las habilidades fisiológicas y físicas. - Ejercicios de respiración y flexibilización de la caja torácica. "Un libro fundamental para evitar dolores y lesiones que afecten la calidad interpretativa." Un libro imprescindible para artistas e intérpretes vinculados a las artes escénicas, sean actores, músicos, bailarines... que se convertirá en una herramienta muy útil para mejorar la conciencia corporal y el rendimiento artístico sin aumentar el riesgo de padecer una lesión. La autora desarrolla modernas y originales técnicas y ejercicios para que cualquier persona pueda conocer mejor su cuerpo y los caminos que le llevan a mejorar. El trabajo que el intérprete lleva a cabo en escena es el resultado final de la suma de muchas horas de ensayo, ejercicios físicos, concentración, memoria y disciplina fuera del ámbito estricto de los escenarios. Pero la gran mayoría de personas se mueven con unas dinámicas, aprendizajes respiratorios y metodologías de trabajo que perjudican su estado de salud y rendimiento artístico. Los capítulos desarrollados son una lista de temas que han ido surgiendo a lo largo de los años, con la experiencia de una profesional que ha estado en contacto con distintos tipos de intérpretes y ha visto sus necesidades escénicas, el trabajo actoral desarrollado y el entrenamiento físico y emocional llevado a cabo. Las primeras páginas de cada capítulo son de carácter más teórico —con argumentaciones mecánicas sobre cómo funciona el cuerpo humano y algunas experiencias con los pacientes— mientras que luego la autora desarrolla una parte práctica con ejercicios propios de integración de la actividad para un uso consciente del cuerpo y otra parte más enfocada al trabajo en escena. Porque prevenir es siempre mejor que curar, este libro te acompaña con la sana intención de que consigas un cuerpo más libre, con una respiración más holgada y placentera, una voz sincera y ancha que resuene desde el final de la platea, para que tanto los espectadores como tú mismo podáis disfrutar de tu trabajo.

¿Qué ventajas nos puede reportar el aprendizaje de la música? ¿Es preciso que el niño que quiere aprender a tocar un instrumento tenga oído musical? ¿Y si desafina? ¿Y qué hay del adulto que decide lanzarse a dicho aprendizaje, aunque sea tarde, cuando se jubila? ¿Podrá aprender a componer música? Según las últimas investigaciones, el alumno que dedica un tiempo a una actividad musical destaca en el ámbito escolar y es más altruista. Este libro, escrito por una reconocida especialista, describe con suma amenidad y de forma muy inteligible, la manera cómo la música y el cerebro humano se hallan estrechamente vinculados. • ¿Es importante que el aprendizaje de la música sea obligatorio en la escuela? • ¿Es cierto que la música nos hace más inteligentes? • ¿Qué relación tienen el aprendizaje musical y las matemáticas? • ¿Existe un periodo crítico para el aprendizaje musical? • ¿Cualquiera puede ser músico?

Este libro ofrece las claves de un tipo de práctica mental que puede ayudarte enormemente en cualquier tarea profesional, pero especialmente en aquellas relacionadas con la interpretación musical. Se trata de un set de herramientas psicológicas que ha demostrado una enorme eficacia en la mejora del rendimiento de actividades motrices como el deporte, el teatro o la danza. Esta práctica consiste en dejar por un momento tu instrumento musical y realizar un viaje interior en el que ejercitas desde el pensamiento aquellas habilidades que más necesitas. Además de desarrollar tus destrezas musicales, mediante el entrenamiento mental puedes también incentivar tu capacidad creativa y potenciar con eficacia los recursos que te impulsen a llegar al máximo a tu audiencia. - Aplicaciones del entrenamiento mental. - Imaginar el sonido. - Cómo conectar con las emociones al experimentar el fragmento de una obra. - Cómo operar mentalmente sobre las diversas cualidades del sonido: afinación, tempo, duración, etc. - Visualizar elementos y gestos de la técnica ¿Podemos entrenar nuestras habilidades musicales sin el instrumento o sin cantar? ¿Tiene sentido la práctica musical en silencio? La respuesta es afirmativa, y los argumentos son verdaderamente convincentes, tal como lo muestran infinidad de investigaciones, las experiencias de destacados intérpretes, y el autor de este libro en particular. La práctica mental es muy útil para trabajar dificultades específicas en el ámbito de la música, un solo de orquesta, un pasaje complicado de ejecutar. Algunos intérpretes ponderan su uso en la fase inicial del estudio de una nueva obra con el fin de explorar las posibilidades expresivas sin condicionantes. En todo caso, su finalidad es tratar de alcanzar mayor seguridad en el escenario.

¿Cuál es el secreto para que una canción logre llamar la atención de un número importante de personas? La composición musical nos abre un mundo de posibilidades infinitas. Cuando escribimos una canción elegimos consciente o inconscientemente seguir unos caminos e ignorar otros. Y un mismo autor puede elegir sus pautas habituales o decidir adentrarse por rutas totalmente nuevas. Este libro te mostrará algunas claves, procesos, técnicas e ideas para comenzar a adentrarte en el maravilloso e inconfundible mundo de la composición musical. • La estructura de una canción: una pequeña historia resumida en minutos. • Elementos musicales: ritmo, melodía y armonía. • Escalas y acordes. • Cambios de tonalidad para introducir movimiento en una canción. • Simbiosis entre letra y melodía. Quizá te hayas planteado la composición musical como algo más que una mera afición. También puede ser que lleves algún tiempo tocando canciones de otros autores, y que incluso tengas en el cajón algunos bocetos musicales fruto de tus largas horas de ensayo, pero que nunca han llegado a convertirse en canción. A lo mejor simplemente eres un aprendiz que empieza a dar sus primeros e ilusionantes pasos en el mundo de la música. Si siempre te ha atraído la idea de escribir canciones, pero nunca has sabido cómo empezar, este libro puede ayudarte a abrir tu mente. La creación artística nace de lo más profundo de nuestro ser. Algunos, escriben canciones por el sano placer de hacerlo, de tratar de crear algo que antes no estaba. Otros lo hacen porque necesitan descargar sus emociones y su sensibilidad en forma de canción o porque tienen la intención de ganarse la vida con ello. Los hay que componen porque están enamorados de la idea de ser compositores de canciones, aunque no sepan muy bien por dónde empezar. Y también están quienes simplemente se sienten tan atraídos por un movimiento musical determinado que quieren poner su granito de arena.

El cuerpo humano desempeña un papel determinante para que el músico pueda desempeñar su trabajo con total libertad. Los hábitos posturales son responsables en gran medida del bienestar a la hora de interpretar una partitura. Este libro centra su atención en la técnica Alexander de cara a mejorar y cuidar el funcionamiento corporal y también como propuesta para sugerir un cambio en la mentalidad del músico. • Cómo hacer música respetando el movimiento natural del cuerpo. • Beneficios de hacer música en la "zona de confort". • Trabajar desde el pensamiento. • La postura en los diferentes instrumentos. • Condicionantes que impiden una postura sana y dinámica. La música es una de las actividades interpretativas en las que el uso del cuerpo desempeña un papel fundamental. Si funciona correctamente, el músico gana en calidad, y puede garantizarse una carrera musical más próspera y duradera. Disfrutar con plenitud de la música es incompatible con tener molestias en la espalda, rigidez en el cuello o incesantes lesiones. Cuando se suceden las molestias, no es posible disfrutar de la música como vehículo de expresión de los sentimientos. La intención de este libro no sólo es ofrecer los fundamentos básicos de la técnica Alexander aplicada a los músicos sino también ofrecer las herramientas necesarias para un cambio de mentalidad en el camino de reencuentro del músico con su cuerpo. • La "zona de confort" o el bienestar en la música. • Ideas clave para tener una buena conciencia corporal. • La postura sana y dinámica. • Cómo crear las óptimas condiciones psicológicas y corporales. • Evitar lo incorrecto para un mejor rendimiento musical. La técnica Alexander toma de la mano tanto las necesidades artísticas del intérprete como los pilares del funcionamiento corporal que promueven una postura sana y movimientos libres.

La realización de contenido audiovisual nos sirve para conectar con el público objetivo y para mostrar de forma fidedigna nuestras cualidades en directo a potenciales promotores de conciertos. En un entorno donde el intercambio de información a través de Internet está más en boga que nunca, los contenidos audiovisuales son un aliado indispensable para dar a conocer nuestra música. Son muchos los grandes discos de la historia de la música popular que se han grabado con pocos o unos mínimos recursos. La tecnología actual permite grabar una maqueta o editar un disco de una manera profesional, con unos estándares de calidad muy altos. Entre otras cuestiones, este libro le proporcionará información para saber: ¿Cuál es el papel de un productor musical? ¿Qué necesitamos para una grabación por pistas? ¿Qué altavoces son los más convenientes para trabajar en una grabación musical? ¿Qué es un micrófono dinámico? ¿Y uno de condensador? ¿Qué tarjeta de sonido elegir? ¿Qué pasos hay que seguir para grabar y editar un videoclip? Tras la excelente acogida de su primer libro "Cómo ganarse la vida con la música", David Little se adentra ahora en el terreno de la grabación musical y de vídeos, una guía a medio camino entre la divulgación y el aprendizaje práctico. Hoy en día es posible grabar nuestra propia música con los medios más accesibles: un teléfono móvil, un ordenador, un pequeño estudio de grabación en casa, etc. La digitalización de los procesos de grabación musical ha traído consigo un abaratamiento de los costes de producción. Gracias a la democratización del home studio, grabar música y vídeos es más barato que nunca. Si se cuentan con los conocimientos técnicos y prácticos suficientes cualquier músico puede realizar grabaciones de calidad, aún sin disponer de las herramientas más sofisticadas. Es más, en ocasiones la economía de recursos puede impulsar a experimentar, aprender y potenciar la creatividad de cualquiera que se lo proponga.

Cantar de una manera sana requiere un entrenamiento muscular igual que cualquier actividad que requiera una coordinación motora, como patinar, conducir, ir en bicicleta, etc. Cualquier persona puede adquirir un conocimiento consciente del funcionamiento de su voz que le permita desarrollar todo su potencial artístico. En esta guía, Isabel Villagar explica con numerosos ejemplos las posibilidades de la voz y cómo desarrollarlas de una manera adecuada. -Las cualidades del sonido y del aparato fonador. -¿Cómo se puede ejercitar y desarrollar la voz? -La articulación en la voz cantada. -Rango vocal y tesitura. "Un libro esencial para descubrir tu potencial y poder trazar tu rumbo artístico" No hay una fórmula mágica para aprender a cantar. Pero este libro ofrece la información necesaria para hacerlo de una manera saludable, ya sea música clásica, moderna o popular, describiendo qué particularidades vocales se han de tener en cuenta en cada caso. El conocimiento para desarrollar una técnica vocal adecuada se adquiere en forma de espiral, es decir, sobre los pilares en los que se sustenta una adecuada emisión de la voz en la que se va profundizando y se van añadiendo nuevos elementos. Es necesaria la disciplina, la paciencia y la perseverancia para desarrollar todo el potencial de la voz, así que se ha de pensar cada día en qué se puede mejorar. Esta guía, desarrollada a partir de la experiencia de una de las mejores profesoras de técnica vocal, le permitirá conocer las posibilidades de la voz y cómo desarrollarlas tanto para aquellos que tienen nociones musicales como para los que se están iniciando, ya sean niños, adolescentes o adultos.

Alumnos principiantes, padres con interés en que su hijo se inicie en la música, profesores de música de secundaria, solistas, directores de orquesta y coro, concertistas... Este libro está destinado a aquellas personas que creen en el poder de la música como motor de sus emociones. Como tal, su forma de sentirla no ha ido variando significativamente durante tiempo. Pero sí que ha cambiado (y mucho) su aprendizaje. Hoy, con el avance de las modernas tecnologías, nos vemos abocados a una nueva manera de entender su enseñanza. Con este libro conocerás un abanico de aplicaciones móviles que pueden hacer del aprendizaje de la música una experiencia absolutamente enriquecedora. • Apps para iniciarse en un instrumento. • Apps para mejorar la lectura, la entonación, el oído y el sentido del ritmo. • Cómo preparar conciertos y audiciones con la ayuda de una aplicación. • Propuestas metodológicas en el aula utilizando dispositivos móviles. • Apps para iniciarse en pop/rock, jazz, flamenco, música étnica o electrónica. • Apps para compositores. • Apps para promocionarse y vender música por Internet.