Pùblicacrítica

"¿De qué trata este libro? Felizmente esta pregunta no encuentra respuesta única por más que el subtítulo intente indicar un corpus de ensayos sobre teoría narrativa y literatura comparada. No puede tener objeto porque es fruto de la lectura amorosa y extremadamente esmerada que Luz Aurora Pimentel ha hecho de los relatos de ficción. Si a algo se le quiere tanto, si algo es tan significativo en la propia vida, ¿com pretender reducirlo a objeto de estudio, cómo ganarlo en unidad? Lo que se ama tan profundamente, lo que se ha convertido en parte del alma no solamente es sublimemente inmenso, valga el pleonasmo, y por ello inabarcable, sino que también está contenido con sus irreductibles diferencias y con su propia temporalidad que no es la del tiempo presente que reduce "lo que es" al objeto presente en el presente". María Antonia González Valerio

En este libro Irene Artigas Albarelli, anteponiendo a la visión de los primeros analistas del relato que buscaban encontrar la "estructura de todos los relatos", la noción de lo escribible, la cual "está emparentada con, lo literario, lo que sólo podemos atisbar", nos lleva por un recorrido ecfrástico (de ecfrasis: ek [afuera] y phrasein [decir, declarar, pronunciar]) en el que demuestra de una manera práctica la profunda relación entre la poesía y la crítica literaria. Así, en el vestíbulo de esta obra el lector encontrará una amplia y actualizada discusión sobre el viejo concepto de la ecfrasis, tan antiguo como la Ilíada misma, y sus distintas concepciones; para luego exponer en las paredes de las distintas galerías las relaciones entre diez poemas escritos en el siglo XX que "hablan" sobre una amplia variedad de obras visuales (en su gran mayoría cuadros) que nos "muestran" paisajes, retratos o naturalezas muertas. Galería de palabras: la variedad de la ecfrasis se presenta como un transitar que relaciona a William Carlos Williams y Seamus Heaney con Brueghel; a Rafael Alberti con El Bosco; a John Ashbery con Parmigianino, Ernst, Picasso y Miró; a Margaret Atwood, pasando por Browning y Shelley, con Manet; a Derek Walcott con Rembrandt; a Joseph Cornell con Octavio Paz y Elizabeth Bishop; para terminar con un poema de Olga Orozco en el que habla de los zapatos de Vincent van Gogh. De esta manera muestra el alcance de los estudios de literatura comparada y de la interdisciplina.

Este libro parte de la reflexión colectiva en torno a los estudios culturales, proyecto heterogéneo que surgió en Birmingham, Inglaterra, en la década de los años sesenta del siglo XX, el cual rápidamente se convirtió en un vasto campo de producción en torno a una gran diversidad de enfoques e intereses, en cuyo centro se situaba una clara preocupación política, pues además de su reformulación del marxismo se incorporó a los "nuevos movimientos sociales", como el feminismo, el poscolonialismo y el movimiento gay, entre otros. No obstante el interés que en el mundo angloamericano han despertado los estudios culturales en los más diversos campos del conocimiento, alentando todo tipo de exploración interdisciplinaria, en muchos países de América Latina -y México no es la excepción-, se han confinado a los departamentos de ciencias sociales debido a su evidente compromiso político, así como a su íntima conexión con ciertas preocupaciones que tocan el campo de la sociología y la antropología, en tanto que su presencia en el ámbito de las humanidades ha sido limitada. Sin duda, uno de los pocos espacios en los que, en nuestro país, se trabaja con el paradigma interdisciplinario de los estudios culturales es la Facultad de"Filosofía y Letras de la Universidad Nacional Autónoma de México, y este libro es una muestra de ello.

La obra de la escritora Margaret Atwood ha sido estudiada desde una serie de perspectivas muy específicas, sobre todo la feminista y la de estudios canadienses. El propósito de este libro es analizar su trabajo desde una perspectiva más amplia que intenta explorar las características de la voz, o voces, que emergen de sus poemas, así como del yo poético que se va configurando en sus obras, todo ello ligado al tema de la identidad. Como resultado, también se busca estudiar cómo visualiza Atwood el papel de la poeta y la naturaleza de la poesía en su propia producción literaria. Para poder trabajar a profundidad las características principales de la voz que emana de la poesía de Margaret Atwood, Claudia Lucotti considera central estudiar su obra desde cuatro aspectos que la marcan de manera inconfundible: la tradición poética de lengua inglesa, la identidad canadiense, los estudios poscoloniales y de género y la poesía contemporánea.

¿Qué se sabía en realidad de las vanguardias históricas hispanoamericanas hace apenas treinta años? Muy poco, si se exceptúa la atención aislada que habían merecido las obras poéticas de algunas de las figuras más relevantes del período, Vicente Huidobro, César Vallejo, Oliverio Girondo, el Borges ultraísta. No sólo no se consideraban en toda su dimensión las vanguardias como un fenómeno continental, sino que parecía incluso haber caído en el olvido lo que la eclosión simultánea de esos movimientos juveniles, inquietos e iconoclastas trajo de nuevo a las artes y a la cultura de América Latina. Hoy se sabe que estas expresiones tuvieron un perfil propio que las distingue y que fueron una parte sustancial del movimiento internacional de las vanguardias. Casi un siglo después de su inicio en nuestras latitudes, se admite por fin que las vanguardias dejaron una huella profunda, perdurable, en todas las artes del continente a lo largo del siglo XX. Desde hace un par de décadas se han multiplicado las revisiones y las relecturas de este extraordinario momento de la cultura latinoamericana. Lo decisivo son las nuevas miradas con que se encara el material rescatado, un material que esperaba ser leído e interpretado, tarea que con acierto emprende "Manifiestos... de manifiesto". Celebremos entonces la feliz y original iniciativa de reunir a un grupo de estudiosos que reflexionan sobre los manifiestos como un género y que los analizan en tanto textos con un centro gravitacional propio. Los enfoques y acercamientos son plurales, no desdeñan la sugerente mirada comparatista y muestran tanto las rupturas y transgresiones que ofrecen estos textos como las continuidades con la tradición. Se trata de un libro que sin duda abre caminos para nuevos estudios sobre los movimientos de las vanguardias hispanoamericanas, un campo que está lejos de haberse agotado.

La década de los años sesenta en México se considera una "época bisagra" entre el ya manipulado nacionalismo cultural y novedosas formas de concebir las expresiones artísticas y los comportamientos sociales e individuales. En este contexto, un empresario editorial y un destacado editor y crítico literario conciben la primera colección autobiográfica mexicana: Jóvenes escritores mexicanos del siglo XX presentados por sí mismos, donde noveles autores se embarcan en el engañoso arte autobiográfico. Así, podemos ver el uso reiterado de técnicas propias de la dramaturgia y el registro irónico en los textos de Carlos Monsiváis y José Agustín; mientras Salvador Elizondo, Sergio Pitol, Juan García Ponce, Vicente Leñero y Juan Vicente Melo hacen de sus autobiografías verdaderos campos de experimentación vivencial y artística, donde imperan las estrategias textuales propias del ejercicio lírico. La experiencia necesariamente se decanta al narrarse para cobrar significación y en ella surge el sujeto como entidad individual favorecida desde la primera modernidad. El presente estudio aborda esta parcela de la literatura mexicana hasta ahora no atendida y quiere demostrar que la literatura autobiográfica es un género relacional que enfrenta el discurso de belleza con el discurso de verdad, tradicionalmente considerados excluyentes.

El personaje gay ha aparecido en el cuento mexicano de la segunda mitad del siglo xx con mucho vigor: desde una tímida representación homoerótica hasta una afirmación contundente de la disidencia sexual. En consecuencia, este género literario ha sido un depósito muy ferviente de los numerosos cambios acaecidos en el país en cuanto al tema que la sexualidad refiere y, por sus mismos componentes estructurales, ha gozado de un buen impacto entre los lectores para desviar la mirada hacia un mundo que, durante mucho tiempo, permaneció soterrado. El presente volumen realiza precisamente un estudio sobre la imagen del personaje gay en seis cuentos que ilustran con acierto la manera en la que se concibe el tema de la homosexualidad en México: "Mapache" de Jorge Arturo Ojeda, "Hoy te he recordado…" de Luis González de Alba, "Opus 123" de Inés Arredondo, "La cuenta de los días" de Luis Zapata, "El alimento del artista" de Enrique Serna y "Bernal y Beatriz" de José Joaquín Blanco. Dicho acercamiento parte también de las herramientas de análisis proporcionadas por la perspectiva de género, los estudios gay y la teoría queer, lo cual permite una revisión más exhaustiva de las particularidades del personaje que desafía las hegemonías impuestas sobre el cuerpo y el deseo.

Frente a los enfoques temáticos y de corte formal, este ensayo trae a primera plana un aspecto crucial para una teoría de la autoficción latinoamericana. Se trata del significado estético y cultural del nuevo género narrativo en América Latina, es decir, de su dimensión histórica que permite entenderlo como una manera distinta de interpretar y evaluar la realidad contemporánea y la tradición literaria. Aquí se parte de la premisa según la cual la autoficción, en sus expresiones genuinas, es uno de los caminos centrales de renovación en el mapa aún por trazar de la narrativa latinoamericana contemporánea. Después de un estudio dedicado a la obra de Fernando Vallejo, en éste se explora el camino que lleva al surgimiento de un nuevo y desconcertante género narrativo: la autoficción, con sus particularidades propias de la contemporaneidad latinoamericana. Razón por la cual urge rescatarla del gran saco donde cabe todo bajo la etiqueta de las "escrituras del yo", que reúne de manera arbitraria la producción narrativa contemporanea en primera prsona y donde se pierde su particular y valioso mensaje. A través de la lectura paralela de tres libros de excepción como sin remedio de Antonio Caballero, Los detectives alvajes de Roberto Bolaño y Respiración artificial de Ricardo Piglia, se enfocan aspectos esenciales que conducen al género: el pacto de lectura específico que propone, el nuevo lector que crea, la figura de autor que inventa y las estrategias narrativas que convierten en escritura este ambicioso y retador proyecto estético.

Los estudiosos del cuento han afirmado continuamente que éste es un género prolífico en la literatura mexicana, el cual ha rendido cuentas de las diversas transformaciones estéticas, políticas y culturales que ha tenido el país. En este sentido, las variadas representaciones del homoerotismo no están exentas de circular en abundancia por las páginas de los incontables relatos que abordan este tópico: desde las apariciones furtivas de un travesti en el siglo XIX hasta las manifestaciones de personajes queer que desestabilizan los estereotipos de género en el siglo XXI. El presente volumen ofrece entonces un recorrido por los homoerotismos masculinas que han aparecido en el cuento mexicano, ello a partir de una separación cronológica que permite observar los vericuetos de la disidencia sexual y de género con base en los espacios, las identidades, los deseos y los dispositivos de poder que legitiman las corporalidades. Este recorrido permite también establecer un diálogo con las estrategias narrativas usadas por los autores para mostrar el tema ya sea desde una mirada que se acerca a un tema tabú o desde un discurso que critica tanto los patrones estéticos como la heteronormatividad. Desde "Manolito el pisaverde" de Ignacio Rodríguez Galván hasta "¿Te gusta el látex, cielo?" de Nadia Villafuerte, desfilan personajes y experiencias que nos recuerdan cómo el deseo fuera de la norma es vivido con intensidad.

La presente colección de ensayos ofrece un examen interdisciplinario del discurso del victimario en la literatura latinoamericana contemporánea con el propósito de aportar una nueva visión crítica y teórica de la violencia y de su representación textual en la región. Mediante el análisis de las voces de los victimarios en diversos discursos textuales y visuales que plasman la violencia en diferentes contextos históricos, políticos y sociales, esta colección expande y enriquece el estudio de la construcción de la memoria histórica del continente al ofrecer una perspectiva más integral a través de sus culturas.

La de Daniel Sada (1953-2011) es una obra compleja que muestra un campo de fuerzas tensionado; una suerte de máquina constituida por una serie de polaridades disruptivas: un escritor de formación clásica que coquetea con la vanguardia; una voz que abreva en las fuentes populares ligadas a la oralidad a la vez que una escritura extremadamente sofisticada y culta; un poeta que quiere ser narrador y un narrador que deviene poeta; dos mundos que se enfrentan: el campo y la ciudad; un anacrónico con voluntad de ser moderno. Escritor difícil, radical, a la vez que esquivo, Sada pareciera exceder siempre a la crítica, como si un resto suyo desbordara la ilusión interpretativa o la estabilidad del sentido. A partir de una investigación exhaustiva sobre la recepción y la crítica de la obra de Daniel Sada, este libro desarrolla la hipótesis de un modelo de lectura basado en la noción de voz escritura, al poner énfasis en la continuidad y no en la cesura subyacente entre todos estos elementos dispares: el cuerpo (la oralidad, lo popular, lo narrativo) de un lado y el lenguaje (la expresión, el estilo, la forma) del otro. Asimismo, este trabajo examina la relación entre el lenguaje, la violencia y el juego, tres elementos que conforman una gramática particular sadiana (una sintaxis propia) que logra captar la situación política actual de México.