Arte Hoy

Originariamente italiano y nacido al calor del sesenta y ocho, el arte povera pronto sintonizó con las corrientes posminimalistas tanto europeas como americanas. El adjetivo povera ha perdurado como indicador de una sensibilidad preocupada por situar al artista en el nexo Naturaleza/cultura, por la valoración de materiales frágiles e inestables, por la energía y el proceso y la huida del artista como productor de artefactos únicos y duraderos. Muchos han sido los artistas que se consideran deudores de su aire conceptual y de su apuesta para que las actitudes y los procesos se conviertan en forma.

En la última década del siglo XX y aprovechando el poso de movimientos tan diversos como la Internacional Situacionista, los provos, el punk o la antiglobalización, se ha generado una red relativamente amplia de prácticas artísticas social y políticamente articuladas. Prácticas que se podrían caracterizar por el cuidado que ponen en la contextualización productiva y política de su trabajo y que por ello mismo suelen exceder el marco de concepción, producción y distribución acotado para el arte en la alta cultura moderna. Arte de contexto ofrece un repaso por la historia más reciente y cercana de estas prácticas artísticas, que parten de constatar la quiebra de la representación para considerar juntamente acción directa y formalización artística, casi siempre en contextos altamente polémicos. Mediante los conceptos de "lo táctico, lo estratégico y lo operacional", e introduciendo además nociones procedentes de la reciente estética modal, se da cuenta de los terrenos en que confluyen y se confrontan las formas artísticas y las formas de organizar la sensibilidad y la vida de cada individuo.

China vive, desde la última década del siglo XX, una excepcional efervescencia cultural y artística relacionada con las transformaciones que se han producido a raíz de su incorporación a la economía capitalista. Este boom responde, sin embargo, a un proceso mucho más profundo, y entraña un continuo debate entre las novedades llegadas de Occidente y la más pura tradición china, que, una vez más, resurge con fuerza para traer el pasado al presente y convertir al gigante asiático en uno de los focos creativos más importantes del panorama actual. Arte chino contemporáneo plantea un recorrido por el arte de China desde la caída del Imperio, en 1911, pasando por los convulsos períodos de su historia más reciente, hasta el momento actual. Supone una síntesis de un panorama extraordinariamente complejo y diverso, y un recorrido por las distintas manifestaciones plásticas que han surgido debido, en buena medida, aunque no exclusivamente, a los diferentes acontecimientos políticos que sirven de marco de referencia y de hilo conductor del texto. Una obra de gran utilidad para acercarse al fértil panorama artístico de la China de hoy, en el que figuran algunos de los nombres imprescindibles de la escena contemporánea mundial.

Todavía hoy, en España, en los estudios de Historia del Arte incomoda en algunos sectores que se hable de "cuestiones de género", es decir, de los valores en torno a la feminidad y la masculinidad. Este breve ensayo trata de proponer una serie de lecturas acerca de distintas manifestaciones artísticas, surgidas a lo largo del siglo XX, que no pueden entenderse sin una perspectiva transversal que tenga en cuenta los símbolos, signos y significaciones que la sociedad ha ido imprimiendo a las representaciones de la sexualidad y, por ende, a las que se atribuyen a hombres y mujeres. Estas cuestiones de género son cambiantes y están sometidas al discurrir de los avances sociales, políticos, científicos, culturales y de otra índole que han ido modificando los papeles adscritos al sujeto moderno y contemporáneo, que carecería de imagen y representación visual sin el empuje de los diferentes movimientos feministas. También es destacable la aportación de los estudios de temática gay y lésbica y, recientemente, el impacto de la denominada teoría queer, que cuestiona la existencia de identidades fijas en relación con los comportamientos y las orientaciones sexuales. Todo este conjunto de razonamientos dibuja un perfil nómada y heterodoxo de los sexos y también de las resistencias que presentan quienes tratan de mantener a ultranza la divisoria de la feminidad y de la masculinidad como polos irreconciliables basados en la supuesta verdad de la Naturaleza. La batalla de los valores de género no ha concluido y el arte, poroso y sugerente, es un campo abonado para representar la continuidad, saludable, del conflicto.

Nacido en la India en 1954 y afincado en Londres, Anish Kapoor se ha convertido en uno de los artistas más emblemáticos del panorama atístico actual y en un claro representante del multiculturalismo que inaugura el siglo XXI. Su obra, en la que se funden vocabularios visuales y códigos culturales de diversos tiempos y lugares, no entiende de fronteras y busca los puntos de unión y las coincidencias en las divergencias y en los límites: lo colonizado y lo colonizador, el Este y el Oeste, lo ancestral y lo moderno, la naturaleza y la cultura, lo sagrado y lo secular...todo ello amalgamado en piezas de una gran simplicidad (huevos, montañas, ojos...) que adquieren un sinfín de significados y cuyo resultado plástico es de una impactante contundencia. Obras cargadas de misticismo y de sensualidad que son umbrales, puertas, que nos permiten asomarnos al interior de la corteza de nuestro mundo, enfrentarnos al abismo poético y palpitante que reina al otro lado, para finalmente reconocer la omnipotencia del vacío.

Fluxus es uno de los movimientos artísticos más escurridizos de la segunda mitad del siglo XX. Imbuido del espíritu del Dadá, su duración, sus participantes, sus características formales, sus intenciones sociales, las influencias que recibe y las que genera han sido objeto de un debate nunca cerrado completamente. Desde su nacimiento, a medio camino entre Europa (Düsseldorf) y Estados Unidos, a finales de los cincuenta y principios de los sesenta, las diversas facetas que genera se centran tanto en el ámbito de la acción, de la renovación poética, lingüística y objetual, como en la urgente necesidad de pensar el papel del artista en una sociedad crecientemente acomodada, cuestionando el arte como una práctica de la crítica social. Fluxus responde a una mezcla de todas las propuestas, la música, la performance, el videoarte, las artes plásticas, haciendo de dicha mezcla su rasgo fundamental. Fluxus es un estado de ánimo. Entre sus principales representantes se encuentran George Maciunas (que emplea el término "Fluxus" por primera vez en 1961), Joseph Beuys, John Cage, Allan Kaprov, Wolf Vostell, Nam June Paik, Al Hansen, el compositor La Monte Young... A partir de los ochenta el movimiento pasa de un estado marginal a ocupar un lugar protagonista, testándose las principales teorías de la contemporaneidad a la espera de poder ofrecer una imagen definitiva de Fluxus. Sin pretender erigirse en cierre de las cuestiones que Fluxus plantea, la obra se ofrece como cauce para entablar un debate productivo sobre este movimiento y su fructífera presencia en el arte actual.

La instalación es una nueva forma de expresión que viene a reconsiderar las condiciones espaciales de presentación de las propuestas artísticas. Surge en la confluencia de ideas, acciones, contenidos, proyectos y manifestaciones plásticas de finales de la década de los sesenta y principios de los setenta, y sus planteamientos se nutren de esas corrientes transformadoras. La obra se divide en cuatro apartados. El primero de ellos está dedicado a los antecedentes que hicieron posible que un mecanismo tridimensional determinado se situara en el centro de la actividad artística. El segundo apartado se refiere a los límites del término "instalación", a las características de su funcionamiento y a los contenidos que se derivan de ella. En el tercero se analizan algunos de los problemas derivados de su irrupción en el mundo del arte. Y en el cuarto se muestran distintas formas de instalación, seleccionadas y ordenadas de acuerdo con el mecanismo de funcionamiento de cada una de ellas. Incluye dos anexos, uno de ellos dedicado a algunas de las aportaciones de artistas españoles "instaladores" y al análisis de sus obras; y otro en el que se recogen algunas contribuciones teóricas a la comprensión del fenómeno de la instalación en el mundo del arte.

Innovador y polémico, la obra de Richard Serra (1939) se basa en el uso de formas geométricas abstractas y se encuadra en el genérico posminimalismo desarrollado desde fines de los años sesenta. Básicamente escultor, su extensa producción abarca diversos géneros: escultura, obra gráfica y fílmica... En sus piezas escultóricas destaca el interés por los materiales y procesos industriales, explotando las posibilidades tectónicas del acero para construir piezas "sin pedestal" que se acercan a la arquitectura en términos de escala y tamaño. Piezas, muchas veces concebidas específicamente para lugares concretos, que aspiran con su presencia a la redefinición física y perceptiva del emplazamiento, sea arquitectónico, urbano o paisaje natural. Serra desarrolla a lo largo de su trayectoria un interés progresivo por los procesos de recepción del espectador. Su obra se basa en unos principios constructivos muy simples que entrañan una gran complejidad perceptiva estimulando la dialéctica entre el sujeto, el objeto y el contexto espacial, creando una concepción espacio-temporal de la percepción que sitúa en el espectador el centro de sus investigaciones y que será llevada a sus extremos en obras en el paisaje urbano y natural. Así, las piezas de Serra proyectan espacios de comportamiento que envuelven al espectador en una vorágine sensorial y psicológica no exenta de evocaciones ilusionistas y metafóricas en algunas de sus últimas obras.

Posiblemente sea Joseph Beuys (1921-1986) uno de los artistas más polémicos del arte del siglo XX. Rechazado violentamente por unos, aclamado y seguido por otros, su persona y su obra pocas veces han provocado indiferencia. Beuys ha transitado por diversos territorios para confluir finalmente en uno, que es su concepto integral y vital de la creación: escultura, dibujo, instalación, acción, docencia de arte y actividad política. En su plástica, materiales peculiares adquieren carta de naturaleza: miel, grasa, fieltro, motores eléctricos, animales... Sus acciones se convierten en escenificaciones del mito más arcaico. Sus discursos, más políticos que estéticos, se encaminan a regenerar las heridas de la sociedad, proclamando para esta la recuperación de su propia actividad.

Los últimos alardes dadaístas del inteligente Duchamp quebraron la tradición artística en fragmentos. En adelante, la reconstrucción minuciosa y artesanal del entramado, el escenario y el público acordados para el arte iban a convertirse en una ardua, por refutable, tarea. Desplazado, el objeto artístico no era ya el actor principal, sino un tímido actor de reparto. El artista, sin embargo, mantenía su infranqueable ansia de perpetuidad, sus afectos y defectos, aunque la naturaleza de su disciplina mudara su especificidad en aire, su empirismo en teoría y su identidad en espejo. En los años ochenta, la transvanguardia en Italia, la nueva expresión en España o el neoexpresionismo en Alemania son síntomas de esa dolencia espiritual (fin del arte) que se ha dado en llamar posmodernidad y cuyas propuestas (unas más que otras) iban a concretarse en propósitos de enmienda para la plástica. A causa de circunstancias históricas trágicas y humanas—"demasiado humanas"—, el neoexpresionismo alemán, con Baselitz, Lüpertz, Penck, Kiefer, Richter, Polke e Immendorf a la cabeza, resuelve reinstaurar el espíritu alemán sin perder de vista la tierra quemada. Para ello, restaura los puentes con el expresionismo cercano ideológicamente al inspirado Der Blaue Reiter—en especial, Kirchner—, sin olvidar otros gritos de angustia que agudizaron el zumbido dolorido de la pintura alemana de principios del siglo XX.

El texto, estructurado en tres partes (el cuerpo/las identidades/la tierra), pretende ser una breve reflexión sobre el trabajo de la artista Ana Mendieta (1948-1985), objeto de atención por parte de diversos autores desde hace ya más de una década, en algunos casos por cuestiones ajenas a su producción. No se trata de una biografía ilustrada o un catálogo sistemático. La obra recoge la introducción de algunos apuntes críticos, desde posiciones no coincidentes con los criterios de la historiografía tradicional, que nos ayudan a repensar las aportaciones de esta, y de otras y otros artistas en el marco de la historia del arte, así como la urgente necesidad de redefinir la propia disciplina, sus criterios y su metodología, apuntando la posibilidad de que en ella tengan cabida proyectos divergentes y heterogéneos, sin que tengan que ser necesariamente asimilados.

La figura de Andy Warhol (1928-1987) es, sin duda, una de las más carismáticas, no sólo en el contexto del pop art norteamericano, sino también en relación con las diversas tendencias que se dieron en la segunda mitad del siglo XX. Artista polifacético-grafista, diseñador, pintor, cineasta, fotógrafo, promotor de grupos musicales y escritor, se instaló en Nueva York a principios de los años cincuenta y, tras un período en el que su tarea estuvo relacionada con el diseño, empezó a pintar. Pronto se hizo muy famoso y su obra ha llegado a influir de manera decisiva en los artistas de generaciones posteriores.

Después de mayo del 68, fecha que marcó prematuramente el comienzo de la década de los setenta, el objeto de arte empezó a ser considerado como algo completamente superfluo, como un simple instrumento más en el mercado. Fue el momento en que el arte conceptual estuvo en su apogeo, y con él su intento de liberar la obra de arte de su papel de objeto mercantil. Las acciones se convirtieron en la más evidente extensión de esta idea: aunque visibles, eran intangibles, no dejaban huellas y, por lo tanto, no podían ser compradas o vendidas. Bajo estos presupuestos, los espacios dedicados a la performance surgieron muy rápidamente en los principales centros de arte internacionales: los museos empezaron a patrocinar diferentes festivales, las escuelas de Bellas Artes se preocuparon por primera vez de introducir cursos de performance y surgieron algunas revistas especializadas.

El presente ensayo pretende ofrecer una amplia panorámica del uso heterogéneo y dispar que los creadores contemporáneos han venido haciendo con la fotografía, sobre todo en las últimas cuatro décadas. Resulta complejo, por no decir fútil, delimitar la frontera entre fotografía de creación y cualquier otro tipo de práctica fotográfica, pues buena parte de estos artistas han promovido la amateurización y el mestizaje del medio fotográfico como recurso estético, contraviniendo así las tesis clásicas que defendían el virtuosismo, o el profundo conocimiento técnico, como condiciones indispensables para legitimar cualquier discurso genuino de autor. Con el apoyo de una amplia selección de obras fotográficas de los creadores más emblemáticos de las últimas décadas, y un discurso tan accesible como pleno de datos, la obra permite recorrer la historia de la fotografía contemporánea y dilucidar sus principales claves. De indudable interés para estudiantes, aficionados y especialistas de la fotografía, la obra resulta igualmente atractiva para un público general más amplio, atento a la creación contemporánea y a la que es, sin duda, una de sus disciplinas más productivas e innovadoras.

Este libro es un trabajo de género que presenta y analiza tanto las obras como los planteamientos de una serie de artistas que coinciden en una elección formal (la "desmaterialización" del objeto artístico) y en una actitud en sus planteamientos (la percepción de la obra en tanto que experiencia visual para el espectador). La estética de sus obras está definida por el uso de la luz como experiencia plástica que les permite dictar un lenguaje de imprecisión y misterio en el cual el límite de la materia se supera con la luz.

Wolf Vostell (Leverkusen, 1932-Berlín, 1998), artista multimedia, desarrolló su vida y su obra entre sus estudios de Alemania (Colonia, Berlín) y Extremadura (Malpartida de Cáceres, donde fundó un museo). A partir de los años cincuenta fue pionero en Europa de los nuevos comportamientos artísticos como happening, fluxus, vídeo-arte... bajo el principio estético Arte=Vida/Vida=Arte. Importante epígono del arte dadaísta, del surrealista y de un expresionismo propio, su principio generador se basó en la técnica del dé-coll/age y la utilización del hormigón como configurador de una nueva obra, uniendo o ensamblando elementos despegados, o desechos previamente recogidos de nuestra civilización de consumo, para crear metáforas de la violencia bélica, del sexo, de la muerte y de otros fenómenos que nos rodean, y desarrollar un arte moral.

Emilio Vedova es uno de los artistas más representativos del informalismo europeo, tanto por el indiscutible interés de su producción, cuanto por su posicionamiento social, lo que le convierte en paradigma del artista comprometido. Su trayectoria creativa cubre toda la segunda mitad del siglo XX. Sus inicios en los años treinta se hallan marcados por la exploración del territorio de la pintura a partir de la abstracción expresiva. A finales de los cuarenta conforma una poética informalista apostando con intensidad por los significados sociales, y a partir de los cincuenta crea instalaciones. Desde mediados de los ochenta intensifica el tratamiento barroquizante de su pintura utilizando para ello soportes pictóricos circulares que incluyen elementos extrapictóricos a los que denomina "tondi". En definitiva, una trayectoria coherente que marca por sí misma una de las posiciones de la creación plástica surgidas en el marco de la posguerra.

El artista "accionista" transfiere a su propio cuerpo todo el poder plástico, metafórico, simbólico y semiótico inherente al objeto artístico. El cuerpo se convierte en el territorio donde tiene lugar la creación y la destrucción, en la topografía del análisis de los límites y en la zona de resistencia de una subjetividad que, a través de la vulnerabilidad de la carne, se enfrenta violentamente al poder político, social y tecnológico. Günter Brus, Otto Mühl, Herman Nistsch, Rudolf Schwarzkogler... Como un latigazo intermitente explotando en la faz del cuerpo social. Las acciones de estos artistas se suceden durante los años sesenta, evidenciando la desgarradura de un sujeto que encuentra sus marcas, sus signos y su potencia de libertad en el cuerpo. Herido, alterado, agredido y empujado más allá del dolor, el cuerpo del artista abre en su piel, en su carne, en sus órganos y en su sangre las preguntas sobre su identidad.

El nombre de Daniel Buren se encuentra vinculado, desde mediados de los años sesenta, a una vía de producción en el arte contemporáneo que ha procedido a la paulatina pero incesante deconstrucción de los diferentes fundamentos sobre los que se apoya la maquinaria institucional. Sus reiterados cuestionamientos del marco de exhibición constituido por el museo/galería (nada en él es neutral, ningún elemento se encuentra exento de contenido político), así como el enriquecimiento del concepto de "arte público" que su obra ha supuesto, lo convierten, sin duda alguna, en uno de los nombres imprescindibles del arte de las últimas décadas.

La ideología basada en el sistema patriarcal impuesta durante siglos ha negado secularmente a las mujeres la capacidad de crear, tras relegarlas al espacio doméstico y a las tareas reproductivas, convirtiendo en natural una división del trabajo que las apartaba de cualquier posibilidad de ser consideradas como artistas (recluyéndolas en los papeles de musa y modelo). Una ideología que ha puesto en el centro del mundo al varón, con la consecuente marginalización de lo femenino. Durante la mayor parte de la historia de la Humanidad, las artistas se sometieron a los condicionantes socioartísticos que marcaban lo que debía definir las creaciones femeninas. Así, entre la ocultación y el sometimiento, pocas artistas se atrevieron a reflejar las verdaderas condiciones de vida de las mujeres, ni a llevar a sus obras sus reivindicaciones y su visión del mundo. A pesar de las imposiciones ideológicas, la resistencia al orden patriarcal dio lugar al feminismo en su doble vertiente de pensamiento y movimiento, con un eco social variable entre los siglos XVIII y XX. Ello no podía dejar de ejercer un impacto sobre la práctica artística. La intención de la obra es detenerse en aquellas autoras que, a pesar de no haber estado conscientemente unidas y articulado un grupo con el propósito de destacar la experiencia femenina, manifiestan a través de su obra una conciencia y valorización de esta, hasta llegar a la generación de una teoría y una práctica artísticas decididamente feministas en las últimas décadas del siglo XX.

Durante su corta existencia, Piero Manzoni (Soncino, Cremona, 1933—Milán, 1963) dedicó su trabajo a socavar las ideas y las prácticas dominantes en el arte de su tiempo. Obras como los Achromes, cuadros realizados sin pintura; las Líneas encerradas en cilindros de cartón; las Bases mágicas (quien subiera a ellas se convertiría en obra de arte) o la Mierda de artista, envasada en pequeñas latas y vendida por el precio equivalente de su peso en oro, permanecen en la actualidad como hitos de la más extrema transgresión vanguardista.

El land art es un movimiento artístico contemporáneo que utiliza como tema y soporte los materiales de la Naturaleza (madera, tierra, piedras, arena, rocas, etc.). Su principal técnica es la intervención-instalación en el paisaje. Las primeras obras se realizaron en los paisajes desérticos del Oeste americano a finales de los años sesenta. Por ello resulta un movimiento casi genuinamente americano. Nacido en un contexto político conservador, este movimiento utilizó la Naturaleza como un escenario artístico donde debatir los movimientos sociales de finales de los años sesenta (hippismo, feminismo, contracultura...). En definitiva, un nuevo comportamiento artístico, alejado de los modos tradicionales, como otros que surgieron en los años sesenta y setenta, en respuesta a la comercialización del objeto artístico tradicional. Entre sus principales artistas cabe considerar a Walter De Maria, Richard Long, Robert Morris o Robert Smithson, entre otros.

Robert Morris (Kansas City, 1931) es uno de los artistas clave para entender el desarrollo y la evolución del arte durante la segunda mitad del siglo XX. Su obra ha transitado prácticamente por la mayoría de los movimientos y tendencias del arte desde finales de los años cincuenta hasta la actualidad. Ha pintado a la manera expresionista, ha realizado obras neodadaístas y conceptuales, estructuras primarias y formas escultóricas minimalistas, trabajos de arte procesual, intervenciones en el arte de la tierra, acciones de reivindicación social, crítica institucional al museo y la galería, danza, performance, vídeo o dibujo. Aunque ha sido su vinculación con el minimal art y la escultura de los años sesenta la que le ha garantizado un lugar en el canon del arte contemporáneo, la riqueza de su producción artística abarca otro gran número de preocupaciones y temáticas entre las que se encuentran la experiencia del cuerpo, el movimiento, el proceso, el tiempo real, la reivindicación de la condición social del artista como trabajador, la relación entre visión y ceguera, entre texto e imagen, la memoria, la muerte, la catástrofe o la melancolía. Cuestiones en todos los casos atravesadas por una crítica audaz e inteligente tanto al modernismo y su concepción del arte como un aparte de la vida, como a la modernidad entera en tanto que sistema opresor, disciplinario y deshumanizador.

Prácticamente desconocida por el gran público hasta la gran retrospectiva celebrada en el Museo de Arte Moderno de Nueva York en 1982, cuando la artista contaba 71 años, la escultura de Louise Bourgeois (París, 1911), de marcado carácter autobiográfico y personal, no es fácilmente catalogable en ningún movimiento ni tendencia establecidos. Según sostiene la propia escultora, toda su producción gira en torno a una suerte de mito fundador: el adulterio de su padre, que introdujo a su amante, una joven institutriz inglesa llamada Sadie, en la casa familiar. De hecho, desde sus primeros dibujos y pinturas de "Femmes-maison" (Mujeres-casa), realizados en los años cuarenta, hasta sus "Cells", instalaciones a modo de celdas o pequeñas habitaciones, de los años noventa, pasando por sus esculturas de yeso y látex de los sesenta o imágenes del cuerpo desmembrado de la década de los ochenta, toda su producción se halla marcada, de una forma u otra, por ese recuerdo de la "traición" paterna. Ello no implica, sin embargo, que la escultura de Bourgeois tenga un significado exclusivamente íntimo o biográfico. Su obra nos desvela las relaciones de poder, la situación de opresión sexual y la experiencia de dolor que anidan en el interior de la familia patriarcal, demostrando en último término que, como subraya el célebre eslogan feminista, "lo personal es político".

En este ensayo sobre Gilbert & George se incide en el carácter transgresor de su obra, en su inconformismo con las ideas mayoritarias de su época: una obra que aprovecha cualquier elemento molesto para la sociedad o el mundo del arte. Cuestiones como la fusión del arte y el artista; el tratamiento abierto de su íntima relación con la bebida; la plasmación de la crueldad y la violencia como elementos constitutivos de la cotidianidad social; el aprecio por otras razas; la asunción del deseo homosexual por los jóvenes y la propia desnudez; las referencias a emblemas militaristas y signos políticos extremistas, o la representación del dolor y la desdicha con toda su crudeza. Temas que han estado, y permanecen estando, en los límites de lo admisible por las mentes bienpensantes de la sociedad. Su trabajo nace y se desarrolla en un ambiente netamente urbano. A lo largo de su historia artística resulta llamativa la presencia constante de la ciudad de Londres. En este texto, y través de sus obras, podemos recorrer muy diferentes paisajes y paisanajes de la gran urbe. Pero su topografía no la encontraremos en ninguna guía de la ciudad. Son visiones extrañas y comprometidas de una metrópoli multicultural, imágenes de los sectores menos favorecidos y de las circunstancias o motivos menos glamurosos, pero no por ello menos londinenses. Son los escenarios urbanos que muchos no desean conocer. La obra recoge lo más significativo de su trayectoria y se ilustra con una amplia selección en color de sus obras más emblemáticas, escogidas por los propios artistas para esta publicación.

A mediados de la década de los sesenta del siglo XX aparece una de las expresiones artísticas con mayor presencia en el panorama estético actual: el videoarte. Situada en la encrucijada en la que desembocan los caminos del body art, el arte de acción, la música, el cine o el arte conceptual, esta nueva tendencia fue un punto de encuentro para artistas procedentes de diversas tradiciones y lenguajes plásticos. El videoarte les ofreció un instrumento con el que retomar los inveterados problemas del arte, como la relación entre el espacio y el tiempo, la primacía de la idea frente a su materialización, la presencia del cuerpo o los límites de lo artístico. Pero el arte del vídeo ha suscitado además nuevas consideraciones debidas a su imbricación con lo tecnológico y, sobre todo, a la irrupción de la imagen electromagnética que aquel trajo consigo. Videoarte propone un recorrido entre lo cronológico y lo temático, para dar cuenta de los principales hitos y de los grandes nombres que jalonan su historia. Esta corriente, que supo sobrevivir a la obsolescencia de la tecnología que le dio origen, abrió las puertas a las tendencias más pujantes, como el media art o el net art. En esta obra el lector descubrirá la riqueza y heterogeneidad de un arte camaleónico, de fronteras difusas, cuyo potencial crítico y sus cualidades plásticas siguen hoy siendo vigentes.

En los siete años que duró la vida artística de Yves Klein (Niza, 1928-París, 1962), que van desde su primera exposición en 1955 hasta el año de su muerte, este experto yudoca tuvo tiempo suficiente para cambiar las cosas. Con la actitud de un preclaro prestidigitador, puso a la vista del público sus múltiples invenciones (los monocromos, la escultura de fuego, la pintura antropométrica, la arquitectura de aire, el vacío, las esponjas, etc.) como reclamos para seducir a la experiencia del mundo en una dimensión perfeccionada. Del color, el principal objeto de su obra, dijo: "Es lo que más se sumerge en la sensibilidad cósmica".